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SUMMARY:BGL\, tour de piste.
DESCRIPTION:BGL : Trois artistes en un\, Jasmin Bilodeau\, Sébastien Giguère\, Nicolas Laverdière\, unis en art et pour l’art pendant 25 ans (1996-2021). Le collectif a refait surface pour une exposition au Centre d’art Diane Dufresne\,  l’occasion de présenter quelques-unes de leurs oeuvres communes et d’autres issues de leurs productions personnelles. \nSaluons cette réunion exceptionnelle du trio qui fait vibrer notre fibre nostalgique ! \n \nPhotos 1 et 2: Détails de Mort sans titre – Paravent\, BGL\, 2021 \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \n  \nL’exposition Postérité-les-bains célèbre l’audace et la richesse créatrice du collectif BGL\, un trio d’artistes qui a su s’imposer dans le milieu de l’art contemporain pendant 25 ans en produisant des oeuvres surprenantes et audacieuses\, tantôt loufoques\, tantôt grandioses\, jamais banales. Que ce soit dans des installations ou des performances\, les artistes ont su générer des oeuvres qui reflètent une réflexion intellectuelle sur la culture contemporaine. \nChacun poursuit aujourd’hui sa pratique artistique dans la continuité de l’héritage BGL\, en réinventant le quotidien avec le plaisir de déjouer les codes et les idées préconçues. \n \nLa grande carpette – Carpette Diem\, BGL\, 2021 (L’atelier-Canadassimo) \nLa grande Empirique\, BGL\, 2021
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LOCATION:Centre d’art Diane Dufresne\, 11\, Allée de la Création\, Repentigny\, Québec\, J6A 0C2\, Canada
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SUMMARY:Lumière\, où es-tu?
DESCRIPTION:Une vidéo présente une allumette qui vacille puis s’éteint. Une installation dite olfactive permet aux visiteurs de sentir-ressentir une gamme d’odeurs-émotions provenant d’huiles parfumées. À chacun des quatre étages du Centre Phi\,  l’exposition de Manuel Mathieu\, Unité dans la noirceur\, nous donne à voir son immense palette de création – dessins\, sculptures\, céramiques –  en abordant les thèmes de la mémoire\, de la transformation\, de la patience méditative. \nFamily Portrait (détail)\, technique mixte\, Manuel Mathieu\, 2021. Claridge Collection \nIl se dégage des oeuvres de l’exposition un tourbillon d’énergie où se mêlent émerveillement\, rituel chamanique\, exploration de son intériorité avec les recoins sombres de notre coeur et de notre esprit. \n  \nLa fenêtre\, technique mixte\, Manuel Mathieu\, 2025
URL:https://www.galeriegoart.ca/programmation/lumiere-ou-es-tu/
LOCATION:Fondation Phi\, 407 rue Saint-Pierre\, Montréal\, Québec\, H2Y 2M3\, Canada
CATEGORIES:Exposition
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SUMMARY:Art'xemplaire
DESCRIPTION:Hervé Mbelo est le premier artiste professionnel à exposer une oeuvre dans le hall d’accueil de la Caisse Desjardins du Plateau Mont-Royal. L’artiste a répondu à un appel de dossiers de la part du comité culturel de la Caisse en soumettant son oeuvre Rythmes urbains et miniers 1. Celle-ci a été retenue autant pour ses qualités esthétiques que pour sa réflexion sur le monde\, et elle fait l’objet d’une exposition de la saison été-automne. Par cette initiative exemplaire aux plans artistique et culturel\, la Caisse souhaite encourager les artistes et refléter activement la vitalité artistique de son territoire. À voir\, en passant par là… \nHervé Mbelo \nOriginaire de la République démocratique du Congo\, l’artiste vit actuellement à Montréal où il poursuit des études doctorales en Études et pratiques des arts à l’Université du Québec à Montréal. Les thèmes de son travail de création touchent les bouleversements contemporains\, principalement en matière d’écologie. Sa réflexion porte sur l’interaction des humains avec l’environnement\, la construction de nouveaux paysages que suscitent les catastrophes écologiques\, l’émergence de sentiments éco-anxieux\, etc. Entre esthétique du beau et celle de la laideur\, l’artiste compose des oeuvres qui intégrent des images de déchets\, des portraits de personnages inquiets\, des paysages aux formes irréelles\, le tout dans une construction narrative sensible\, ouverte sur la poésie. \n\nEntre esthétique du beau et de la laideur\, un artiste et son oeuvre. \nEn septembre\, Hervé Mbelo expose ses oeuvres à la Galerie Vincent-D’Indy à Boucherville. L’inquiétude des paysages: entre chaos et persistance»\, une exposition à voir du 4 septembre au 5 octobre 2025. \nEn novembre\, l’artiste poursuit sa démarche réflexive avec l’expo La trans brutalité: l’envers du décor écologique\, à la Maison de la culture Claude-Léveillée à Montréal. A voir du 19 novembre 2025 au 18 janvier 2026.
URL:https://www.galeriegoart.ca/programmation/artxemplaire/
LOCATION:Caisse Desjardins du Plateau Mont-Royal\, 435\, ave Mont-Royal E\, Montréal\,Québec\, Québec
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SUMMARY:Les NANAS de Niki
DESCRIPTION:Courez voir l’exposition «Niki de Saint Phalle\, les années 1980-1990 : L’art en liberté ». Vous connaissez ses Nanas monumentales\, vous découvrirez une artiste engagée\, féministe et militante pour la justice sociale\, ainsi qu’une entrepreneure audacieuse. Avec elle\, et grâce à elle\, vous comprendrez ce qu’est la liberté pour un.e artiste qui souhaite créer selon sa vision du monde\, sans attendre l’approbation des institutions et des mécènes. \nExposition «Niki de Saint Phalle\, les années 1980 et 1990 : L’art en liberté»\, MNBAQ\, 2025 \nExposition «Niki de Saint Phalle. Les années 1980 et 1990: L’art en liberté»\, MNBAQ\, 2025 \nNée en 1930 à Neuilly-sur-Seine\, en France\, Niki de Saint Phalle choisit l’art comme forme de vie et de survie. C’est en 1966 que naissent ses emblématiques NANAS\, femmes monumentales et colorées\, une affirmation de ses convictions artistique et féministe. \nL’exposition du MNBAQ invite les visiteurs.euses à explorer les dernières décennies de création de l’artiste\, une période de production foisonnante\, alors qu’elle jouit d’une grande liberté dans son discours et dans sa pratique. Il faut dire que son modèle d’entrepreunariat (production et vente de produits dérivés) lui garantit également la liberté financière dont elle a besoin pour réaliser ses projets. \nExposition Niki de Saint Phalle. Les années 1980 et 1990 : L’art en liberté\, MNBAQ\, 2025 \nExposition «Niki de Saint Phalle. Les années 1980 et 1990 : L’art en liberté»\, MNBAQ\, 2025 \nL’art de Niki de Saint Phalle révèle une réelle force de résistance et d’engagement de l’artiste pour la justice sociale dans de nombreux domaines – lutte pour les droits des femmes; combat contre le racisme; protection des animaux et de l’environnement; soutien aux personnes atteintes du sida. Ses oeuvres en témoignent\, comme ces Nanas aux formes monumentales\, ces animaux blessés\, ces dessins expliquant aux enfants le SIDA. Voilà pourquoi plusieurs analystes diront de Niki de Saint Phalle qu’elle est pionnière en tant qu’artiste pratiquant avec une vision du monde éco-féministe. \n\nPhoto de Niki de Saint Phalle\, tirée de l’exposition Niki de Saint Phalle. Les années 1980-1990: L’art en liberté\, MNBAQ\, 2025 \nL’expo propose plus de 150 oeuvres réparties en 9 sections dont : Arbre Serpents\, Jardin des Tarots\, La Tempérance\, Ange luminaire. De plus\, une riche programmation d’activités culturelles – visites guidées\, ateliers\, conférences – est offerte pendant toute la durée de l’expo.
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LOCATION:Musée national des beaux-arts du Québec\, Québec\, Canada
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SUMMARY:Délices printaniers
DESCRIPTION:La réputation des galeries de l’édifice Belgo favorise la croissance du nombre de visiteurs\, amateurs d’art et curieux\, venus de tous les coins du pays et du monde. Il faut savoir que le Belgo\, ainsi nommé familièrement\, sis à deux pas du Quartier des spectacles de Montréal\, constitue la plus grande concentration de galeries d’art contemporain et de centres d’artistes au Canada.  Bon an mal an\, ce sont une vingtaine de galeries qui y logent et s’y déploient sur 5 étages\, et ce\, depuis les années 1980. \nCe printemps\, les galeries du Belgo proposent des expos en solo ou en collectif qui nous introduisent à une diversité de pratiques\, dont certaines plus marginales que d’autres telles que la photographie (atelier Jean-Claude Lussier) et la céramique (galerie Chiguer). Et c’est sans compter la centaine (122) d’oeuvres présentées à la galerie B-312 dans une exposition-bénéfice\, Pour l’art 2025\, une action des membres de la galerie pour soutenir les activités de celle-ci. \nJ’ai eu plusieurs coups de coeur lors de ma visite au Belgo\, en voici quelques-uns. Je vous invite à me faire connaître les vôtres\, question de partager nos préférences pour une pratique\, nos émotions face à une esthétique\, notre enthousiasme en découvrant une démarche singulière. \nGalerie Skol: Sous le vernis du quotidien \nL’exposition Sous le vernis du quotidien présente les oeuvres de cinq (5) artistes émergentes\, une initiative qui mérite notre attention. On peut aussi considérer l’exposition comme un événement puisqu’il est le fruit d’un échange entre la galerie Skol et le Centre Sagamie\, une association qui encourage à la fois la création et la diffusion. \nQue nous propose cette exposition thématique ? Chacune des artistes explore\, à sa façon\, la face cachée du quotidien\, ses univers invisibilisés et marginalisés. Certaines s’inspirent de leurs propres rapports au corps\, au territoire\, à l’identité; d’autres nous invitent à regarder autrement ce qui nous semble commun et familier dans le monde qui nous entoure. Représentation par des dessins\, des peintures\, des collages.\n \nLa Casa Almada\, Alejandra Zamudio. Dessin mural x 35 tissus\, impression numérique sur voile. \nDétail: L’autre pièce\, Annie-Kim Rainville\, 2024. Série «1 1/2: techniques\, défis et tranches de vie». \nGalerie C: Les Glaneurs de velléités \nLa galerie C. vient d’installer ses pénates au Belgo et c’est un cadeau pour les amateurs d’art et les visiteurs du Belgo. D’abord établie dans le quartier Centre Sud – autrefois galerie Studio puis galerie Cache –  la galerie C. a fait un saut important pour ses artistes en rejoignant l’effervescence artistique du centre-ville. La vingtaine d’artistes qui y sont associés ont des parcours singuliers\, parfois artistes émergents\, parfois reconnus\, souvent hétéroclites. Mixité appréciée! \nPintura Plegable\, Demian Flores\, 2022. \nGalerie B-312: Pour l’art \nLa Galerie B-312 est un centre d’artistes autogéré. Depuis sa fondation en 1991\, la galerie a présenté plus de 250 expositions et d’innombrables interventions artistiques telles que des concerts\, des performances mais aussi des rencontres avec les artistes et des échanges à l’international. Soucieuse de maintenir sa programmation dynamique en médiation\, la galerie invite ses membres\, et plus largement la communauté artistique\, à offrir une oeuvre à la vente lors d’une exposition-bénéfice intitulée Pour l’art.  \nEn 2025\, le corpus de l’expo Pour l’art présente 122 oeuvres offertes par plus de 60 artistes de toutes les disciplines\, reflétant bien le mandat de la diversité des pratiques de la galerie. Aux côtés des oeuvres de François Lacasse et Renée Lavaillante\, on retrouve des oeuvres d’artistes dont le parcours est moins connu et que la galerie nous invite à découvrir. Je vous recommande d’accepter l’invitation\, ne serait-ce que pour le plaisir de voir cet échantillon de la production créatrice de nos artistes. \nChambre rouge\, Joanna Chelkovska\, 2018
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LOCATION:Edifice Belgo\, 372 rue Sainte-Catherine Ouest\, Montréal\, Québec
CATEGORIES:Circuit découverte
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SUMMARY:L'art souterrain
DESCRIPTION:Le Festival Art souterrain présente sa 17e édition\, en plein coeur de l’hiver! Il renouvelle sa promesse de nous émerveiller avec une trentaine d’oeuvres dispersées ici et là dans les souterrains du centre-ville de Montréal. Les amateurs sont invités à s’engager dans un circuit-découverte\, au coeur de la création\, loin des intempéries du moment ! \nPour cette 17e édition du Festival\, les artistes explorent le thème «Habitat». Quel est notre rapport au monde en constante transformation ? Quelle part de notre vie\, intime et sociale\, réussit le mieux à habiter ce monde\, à comprendre les enjeux de son évolution et à s’y adapter ? \nLes artistes esquissent des avenues à suivre et à explorer sur plusieurs aspects – économiques\, sociaux\, environnementaux – tant par leur réflexion que par leur création faite d’espaces d’innovation et d’imagination. \nEn complément au parcours souterrain\, le Festival propose «L’art s’affiche»\,  un projet d’exposition d’affichage public à l’extérieur. À l’honneur cette année\, l’artiste Chun Hua Catherine Dong au Technopôle Angus. \nChun Hua Catherine Dong (capture d’écran) \n  \nArt souterrain 2025\, parcours extérieur au Technopôle Angus. Oeuvres de Chun Hua Catherine Dong. \nI have been there (en cours depuis 2015) couvre la palissage de la Place Michel-Hébert\, au coin des rues William-Tremblay et Molson. L’expo présente des photos extraites d’une performance de l’artiste qui explore l’appartenance\, la diaspora et l’existence dans l’espace public. Là où elle expose\, l’artiste s’expose aussi; sa performance a été présentée dans 15 pays\, 38 villes\, 350 lieux différents.
URL:https://www.galeriegoart.ca/programmation/lart-pour-contrer-la-morosite/
LOCATION:Espaces souterrains de Montréal\, centre-ville\, Montréal\, Québec.
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SUMMARY:D'encens\, d'or et d'art
DESCRIPTION:Le Musée des Hospitalières de l’Hôtel-Dieu de Montréal est un musée qui retrace quatre siècles d’histoire montréalaise à travers une collection d’objets liés aux arts sacrés et à la pratique des soins hospitaliers\, de la médecine et de la pharmacie. \nPour dynamiser sa collection et offrir aux visiteurs de vivre une expérience singulière dans ses salles d’exposition\, le musée a invité\, pour  la première fois\, une artiste en art contemporain à réaliser une intervention dans sa collection. Cela donne lieu à l’exposition «Corpus insolite :  Jana Sterbak» alors que celle-ci a choisi d’intégrer ses oeuvres dans les espaces d’exposition du musée\, de déplacer des objets déjà exposés et même\, de sortir des réserves des artéfacts qui n’ont jamais été montrés au public. \nVoltaire\, Jana Sterbak\, 2009. Broderie sur toile \nL’exposition Corpus insolite : Jana Sterbak offre aux visiteurs la possibilité de réinterpréter les objets de la collection du Musée des Hospitalières tout en offrant un nouvel éclairage sur les oeuvres de l’artiste. Les objets qu’elle met en place résonnent avec sa réflexion sur le vieillissement et la mort\, la valeur du corps et les apparences ainsi que sur notre rapport au monde et la place de l’art dans le temps. Dans le contexte du musée\, chacune des oeuvres sollicite les visiteurs à vivre une expérience esthétique unique\, comme le font cette robe faite de viande crue ou ces ossements et ce crâne faits en chocolat. \n \nJana Sterbak est une artiste canadienne d’origine tchèque\, mieux connue pour la controverse qu’a suscité\, en 1991\, l’exposition au MBAC de sa célèbre sculpture faite de 22 kilos de viande crue intitulée\, Vanitas : robe de chair pour albinos anorexique. On rapporte qu’en moins d’un mois\, près de 300 articles ont été écrits sur cette sculpture\, souvent des manchettes sensationnalistes. \nVanitas: robe de chair pour albinos anorexique\, Jana Sterback\, 1987. Photo tirée de la collection du Centre Pompidou\, présentée sur son site W \nL’artiste a poursuivi sa démarche créatrice en élaborant des sculptures et des installations qui touchent au corps avec étrangeté\, entre attraction et répulsion. Elle a représenté le Canada à la Biennale de Venise en 2003\, obtenu le Prix du Gouverneur Général en 2012 et le Prix Paul-Emile-Borduas en 2017.
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LOCATION:Musée des Hospitalières de l’Hôtel-Dieu\, 201 ave. des Pins Ouest\, Montréal\,Québec
CATEGORIES:Exposition
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SUMMARY:De Nénette à Jaune Moutarde
DESCRIPTION:«De Nénette à Jaune Moutarde» est une exposition qui rend hommage à l’artiste Jacques Hurtubise\, disparu il y a dix (10) ans. L’expo qui emprunte son titre à deux toiles de l’artiste met en lumière\, on ne peut mieux\, le parcours singulier de celui-ci. \nLa galerie Simon Blais nous donne l’opportunité de voir une quinzaine d’oeuvres de tous les formats\, aux couleurs pétantes\, un vrai régal pour les yeux et l’esprit ! \n\nVue sur De Nénette à Jaune Moutarde\, en souvenir de Jacques Hurtubise. Galerie Simon Blais\, 2025 \nLa carrière de l’artiste Jacques Hurtubise ( 1939-2014) s’étend sur un demi-siècle\, fluctuant au gré des mouvements artistiques de son époque – op art\, pop art\, hard edge – sans jamais s’y confiner. Son style est unique et révèle une pratique où l’audace et l’expérimentation définissent son langage plastique. \nVue sur De Nénette à Jaune Moutarde\, en souvenir de Jacques Hurtubise. Galerie Simon Blais\, 2025 \nQuelques notes sur sa démarche : À la fin de ses études à l’École des beaux-arts de Montréal\, en 1961\, Jacques Hurtubise obtient une bourse qui lui permet de s’installer à New-York quelques mois. Il y découvre l’art abstrait américain dont les chefs de file sont Pollock et de Kooning. Ce séjour lui sert de catalyseur pour orienter sa création; sa peinture se géométrise\, adaptation personnelle de l’expressionnisme abstrait. \nDans les années 1980\, il introduit dans ses tableaux des lignes courbes bilatérales\, souvent noires\, sur des fonds neutres. On dirait les taches d’encre des tests de Rorschach\, qui deviennent emblématiques de son travail\, révélant son indéniable fougue et son incessante expérimentation plastique. Il jouit d’une reconnaissance parmi les grands\, notamment pour les couleurs audacieuses de ses tableaux et leur style percutant. Au cours des années 1990\, l’artiste intègre progressivement l’infographie à ses pratiques\, développant d’abord une imagerie bestiale fantastique\, puis une série de cartes routières – Mémoires cartographiques –  qui évoque sa passion pour les voyages. \nFigure majeure de l’art au Québec\, Jacques Hurtubise a reçu de nombreux prix et distinctions pour son travail. Ses oeuvres ont été exposées dans les grands musées du Québec et ailleurs dans le monde\, dont Paris\, Londres\, Sao Paulo.
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LOCATION:Galerie Simon Blais\, 5420 boul Saint-Laurent (Montréal)
CATEGORIES:Exposition
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SUMMARY:Où puiser force et courage
DESCRIPTION:Alanis Obomsawin est une artiste et une activiste abénakise qui n’a cessé de promouvoir les droits des peuples autochtones et ce\, bien avant la tenue de la Commission Vérité et Réconciliation. Aujourd’hui âgée de 92 ans\, l’artiste fait l’objet d’une exposition au Musée d’art contemporain de Montréal avec des oeuvres qui en disent long sur son militantisme en faveur de l’éducation pour contrer les préjugés\, la haine\, les injustices. \nSérie de gravures\, Alanis Obomsawin\, 2004 – 2007. Expo «Les enfants doivent entendre une autre histoire»\, MACM\, 2024. \nL’exposition Les enfants doivent entendre une autre histoire est protéiforme : on y présente des films réalisés par l’artiste\, des entretiens\, des dessins d’enfants auprès desquels elle est intervenue\, des gravures\, des articles de journaux. L’exposition dresse le portrait de cette artiste au parcours peu commun et peu connu\, et notre visite nous motive à puiser dans sa force le courage de défendre nos convictions et nos rêves. L’abondance des éléments de l’expo nous permettent d’apprécier la vie et l’oeuvre de l’artiste\, mais on se doute que d’autres expositions pourront mettre en lumière des pans de son impressionnant parcours\, notamment celui de chanteuse\, de médiatrice culturelle et de peintre. \nLes pièces maîtresses de l’expo du MACM reposent sur la présentation d’une série de films réalisés par l’artiste alors qu’elle travaillait à l’ONF\, notamment son documentaire sur le crise d’Oka\, un témoignage aussi fameux que précieux pour l’histoire : Kanehsatake\, 270 ans de résistance\, la résistance de son peuple filmée à l’intérieur des barricades\, aux côtés des combattants\, les Warriors. Son militantisme s’exprime également lors de conférences et d’entrevues dont on peut voir des extraits et apprécier son engagement à l’égard des peuples autochtones\, de leur langue et de leur culture. Toujours fière\, avec une intégrité morale et intellectuelle qui bouleverse et captive. \nExpo Les enfants doivent entendre une autre histoire\, Alanis Obomsawin\, MACM\, 2024 \nAlanis Obomsawin\, c’est aussi une femme de 92 ans qui croit que la démarche de réconciliation des dernières années est en bonne voie de produire des fruits\, une réflexion qui la réconforte\, elle qui a passé sa vie à défendre l’importance de l’éducation pour combattre les préjugés et réconcilier les humains. \nPour compléter cette exposition vouée à Alanis Obomsawin\, le MACM a commandé une fresque à l’artiste abénakise Caroline Monnet\, une murale longue d’une 40taine de pieds linéaires située à l’entrée du musée\, sur un mur extérieur. \nDétails de la murale Wàbigon (une fleur éclot)\, Caroline Monnet\, 2024. En hommage à Alanis Obomsawin\, MACM. \nL’oeuvre est intitulée «Wàbigon»\, une fleur éclot en anishinaabewomin\, en hommage à Alanis Obomsawin laquelle\, pour Monnet\, incarne le printemps\, la saison de l’épanouissement des fleurs\, symbole de son impact sur les générations de femmes qui lui succèdent. Monumentale\, la fresque propose le portrait photographique de huit femmes autochtones et une enfant dans une forêt enchantée\, dans un langage visuel qui rappelle le mouvement Art nouveau du début du 20e siècle.
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LOCATION:Musée d’art contemporain de Montréal\, Place Ville-Marie\, niveau Galerie\, Montréal\, Québec.
CATEGORIES:Exposition
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SUMMARY:Art en abondance
DESCRIPTION:Saviez-vous que l’édifice Belgo\, sis à deux pas du Quartier des spectacles de Montréal\, constitue la plus grande concentration de galeries d’art contemporain et de centres d’artistes au Canada ?  Bon an mal an\, ce sont une vingtaine de galeries qui y logent et s’y déploient sur 5 étages\, et ce\, depuis les années 1980. \nNotre bonheur chaque automne est de participer au lancement collectif des galeries\, une célébration festive de la rentrée avec les artistes\, les amis et les amateurs. Chacune propose des expositions qui durent environ deux mois\, et convie les visiteurs à des activités de médiation occasionnelles : visites guidées\, rencontres avec les artistes\, conférences\, etc. \nMes choix  : \nGalerie McBride Contemporain : Playing with fire de l’artiste Nadine Faraj. \nMystique et mystère ! L’artiste Nadine Faraj est fascinée par les questions d’identité\, de vie et de mort\, de naissance et de renaissance. En plus de présenter une série de dessins à l’aquarelle\, l’artiste a créé une grotte à grande échelle entièrement faite de papier et peint à la main\, une grotte dont le visiteur peut examiner les parois\, muni d’une lampe de poche.  Cette oeuvre captivante fait écho aux grottes ornées de peintures rupestres\, aux oeuvres anciennes et à notre compréhension du vécu de nos ancêtres. Laissez-vous séduire par l’invitation de l’artiste à explorer\, observer\, imaginer\, l’expérience «mystique et mystère» est fascinante ! \nPlaying with Fire\, Nadine Faraj\, 2024. Installation présentée à McBride Contemporain \nGalerie B-312: Perdue en forêt de l’artiste Ingrid Syage Tremblay. \nLa sculpture en dentelle ! La majorité des sculptures que nous présente Ingrid Syage Tremblay sont exécutées par taille directe sur bois\, une technique traditionnelle\, dont la reconnaissance remonte aux frères Bourgault de Saint-Jean Port-Joli. Cependant\, pour l’artiste\, cette technique devient un champ de recherche en art actuel\, en ce qu’elle associe sculpture sur bois et art textile. En effet\, elle creuse le bois et\, d’une seule planche et sans aucun assemblage\, elle réorganise la matière d’où émergent des figures qui rappellent la fibre : hamac\, filet\, vannerie. Tout en délicatesse\,  le fait main souligne l’importance du geste\, le sens du toucher\, la poésie du travail. \nNos chemins tressés\, Ingrid Syage Tremblay\, 2024. Sculpture présentée à la galerie B-312 \nGalerie Patel Brown: Moving Images de l’artiste Luke Painter \nAu coeur de la technologie ! Luke Painter explore des sujets portant sur le motif\, l’ornementation\, la technologie et son histoire personnelle. Dans Moving Images\, par exemple\, il présente un série d’images modifiées et reconstruites qu’il a sélectionnées dans des tropes du cinéma\, du théâtre\, de la mode et de l’animation. Entre illustration\, peinture et étude du mouvement\, les images intitulées «Squash\, Stretch\, Splash» s’activent grâce à la présence du spectateur. L’artiste est maître du jeu puisqu’il soumet ses images au «Squash and Stretch»\, un outil technologique qui permet d’accentuer le caractère vivant d’un objet en apparence rigide. Trompe l’oeil ou spectacle de magie ? \nSquash\, Stretch\, Splash\, Luke Painter\, 2024 Composition présentée à la galerie Patel Brown \n 
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LOCATION:Edifice Belgo\, 372 rue Sainte-Catherine Ouest\, Montréal\, Québec
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SUMMARY:L'art du jardinage
DESCRIPTION:L’Atelier Circulaire est un centre d’artistes voué à la création en arts imprimés. Plus encore ! Le centre a la mission de préserver et d’enseigner les techniques traditionnelles de gravure en intégrant les nouvelles technologies liées aux arts d’impression. \nSa mission\, il la réalise en offrant au public un espace d’exposition et à ses membres\, des installations et des outils pour la création et la recherche\, des formations pour la transmission des savoir-faire et des résidences d’artistes pour favoriser les échanges internationaux et l’innovation. \nL’exposition qui ouvre la saison d’automne 2024 correspond on ne peut plus à l’esprit d’innovation de l’Atelier Circulaire. En effet\, les oeuvres de Cassandre Boucher qui sont mises en lumière\, jouent sur les notions de théâtre et de jardinage\, une inspiration que lui a procuré un ouvrage de Claude Mollet\, premier jardinier du roi sous Louis XIII. \nPour l’artiste\, l’ouvrage de Mollet paru en 1652 est un traité sur la culture des jardins\, les règles à suivre pour couper\, tailler\, assembler\, voire mettre en scène la nature ! Cette réflexion se traduit chez elle par la récupération de morceaux de tissus déchus\, la photographie de plantations et de haies et l’impression de motifs végétaux sur des tissus\, les superpositions de couleurs dans un jeu d’opacité et de transparence. La nature est ainsi mise au pas\, la mise en scène du jardin est réussie. Pas de chaos ! \nThéâtre des plans et jardinages\, Cassandre Boucher\, 2024 \n  \nThéâtre des plans et jardinages\, Cassandre Boucher\, 2024
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LOCATION:Galerie de l’Atelier circulaire\, 5445\, ave De Gaspé\, Montréal\, Québec\, local 105
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SUMMARY:En mode portrait...
DESCRIPTION:Le musée McCord Stewart présente\, en complément à l’exposition consacrée au célèbre photographe de mode\, Norman Parkinson\, le travail des photographes de mode québécois. Lumière sur ces artistes de l’ombre ! \n(Détail de la couverture de Vogue-New-York\, Norman Parkinson\,1963) . In Norman Parkinson. Toujours en vogue\, musée McCord Stewart\, 2024 \nQui sont ces photographes québécois\, méconnus du grand public\, qui rayonnent sur la scène internationale dans le monde de la mode – revues\, magazines\, défilés – et réalisent le portrait de nombreux artistes populaires\, dont Charlotte Cardin\, Leonard Cohen\, Tilda Swinton ? Elles et ils viennent du Saguenay\, de Montréal ou de Québec\, plusieurs vivent aujourd’hui à Tokyo ou à Paris et travaillent avec une Pentax\, une Nikon ou une Minolta. Le musée McCord Stewart présente des centaines de photos réalisées par ces photographes de mode\, dix-sept (17) artistes à la créativité singulière.  Le musée présente également une vidéo sur chacun des artistes\, leur donnant ainsi la parole pour décrire leur parcours et leur vision créatrice. \nPortrait de l’actrice Rinko Kibuchi\, Xavier Tera (Tokyo\, Japon) in Portraits et mode\, musée McCord Stewart\, juin 2024 \nLes témoignages de ces créateurs permettent de mieux comprendre la réalité de leur métier et de l’univers dans lequel ils et elles travaillent : l’évolution de leur passion pour la photo; leurs mentors et leurs sources d’inspiration; leur maîtrise de la lumière et de la scène pour traduire en images leurs émotions face aux personnes photographiées et à leurs récits de vie. \nQuelle vision de la photo de mode partagent-ils ? Entre portrait documentaire et fiction scénarisée\, leur coeur balance ! \nL’exposition «Portraits et mode» est accompagnée de nombreuses activités de médiation culturelle – tables rondes\, conférences\, rencontres – qu’il est possible de visionner en ligne. Elle donne également lieu à une publication\, en vente à la boutique du Musée\,  qui met en lumière le talent et le rayonnement des photographes de mode québécois\, «Au-delà des frontières. Mode et portraits dans l’objectif des photographes québécois».
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LOCATION:Musée McCord Stewart\, 690\, rue Sherbrooke O.\, Montréal\, Québec
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SUMMARY:La création du monde: récits autochtones
DESCRIPTION:La 7e édition de la Biennale d’art contemporain autochtone (BACA) dévoile les oeuvres d’une soixantaine d’artistes\, chacun.e apportant sa contribution au thème général de la Biennale\, «Récits de la création du monde». \nCérémonie d’ouverture de la BACA\, Art Mûr\, 4 mai 2024 \nLa BACA se déploie de mai à septembre dans huit (8) lieux d’exposition à Montréal\, Saint-Hyacinthe\, Drummondville\, Sherbrooke et\, cet automne\, la Biennale se déplace à Rimouski. Récits de la création du monde représente un cercle qui entoure différents récits et façons de concevoir l’univers. Les oeuvres touchent la vie elle-même\, font écho à la voix des gardiens du territoire ancestral\, mettent en lumière les médecines sacrées\, parlent d’histoire\, de colonisation et de conscience collective. \nNetukulit\, Jordan Bennett\,2021-2022(Céline Marchand) \nWasuegji’j II\, billes de bois et peinture\, Renée Condo\, 2024 \nLes 60 artistes invités sont issus de différentes communautés et ils et elles partagent leurs expériences\, leur héritage culturel distinct donnant ainsi un aperçu large des identités\, des communautés et des spiritualités des cultures autochtones. Leurs pratiques vont dans toutes les directions alliant modernité et tradition tant dans l’utilisation des matériaux que dans les techniques. Ainsi\, le perlage côtoie la vidéo\, la peinture et la broderie\, la photographie et la performance. \nThunderman under Red Sun\, Alan Syliboy\, 2022 \nTame for Soul\, Eruoma Awashish\, 2023 \nLa Biennale d’art contemporain autochtone (BACA) est une occasion pour les amateurs d’art de découvrir 60 artistes autochtones\, de se familiariser avec leur travail et de mieux apprécier la singularité de l’art autochtone. \nQuelques lieux où sont exposées les oeuvres de la BACA tout l’été: \nMaison de la culture Verdun\, l’expo se poursuit jusqu’au 7 juillet; Musée des beaux-arts de Sherbrooke\, jusqu’au 1er septembre; Centre d’expo Expression de Saint-Hyacinthe\, jusqu’au 8 septembre.
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SUMMARY:Georgia O'Keeffe. Grandeur nature
DESCRIPTION:C’est un cadeau que nous fait le Musée des beaux-arts de Montréal en nous présentant\, ce printemps\,  une exposition des oeuvres de Georgia O’Keeffe\, l’une des artistes américaines les plus connues et les plus respectées du siècle dernier (1887-1986). \nGeorgia O’Keeffe. Photo tirée de: «Georgia O’Keeffe et Henry Moore\, géants de l’art moderne»\, MBAM\, 2024 \nFigure majeure de l’art américain\, Georgia O’Keeffe a participé à l’affirmation de l’art moderne aux États-Unis et à la fabrication de l’identité américaine\, en peignant les paysages du pays\, les objets et la nature qui ont représenté son expérience de chaque lieu qu’elle a visité et où elle a vécu  : les coquillages du Maine\, les gratte-ciels de New-York\, les fruits et les fleurs du Lake Georges\, le désert du Nouveau Mexique. \nDans les années 1960\, la peinture de Georgia O’Keeffe progresse vers l’abstraction avec le dépouillement des formes réelles de ses sujets et l’adoption de lignes plus géométriques. On dit qu’elle a été pionnière de l’abstraction aux États-Unis\, ouvrant la voie aux géants de l’art abstrait que sont Marc Rothko\, Jackson Pollock ou Jasper Jones. \nSoulignons qu’en 1946\, une rétrospective de ses oeuvres a été présentée au MoMa\, une première concernant une femme artiste. \nOs pelvien et mont Pedernal\, huile sur toile\, Georgia O’Keeffe\, 1943. Photo tirée de : «Georgia O’Keeffe et Henry Moore\,  géants de l’art moderne»\, MBAM\, 2024 \nCannas rouges\, huile sur toile\, Georgia O’Keeffe\, 1928. Photo tirée de : «Georgia O’Keeffe et Henry Moore\, géants de l’art moderne»\, MBAM\, 2024 \nCollines grises\, huile sur toile\, Georgia O’Keeffe\, 1941. Photo tirée de : «Georgia O’Keeffe et Henry Moore\, géants de l’art moderne»\, MBAM\, 2024 \nL’exposition du Musée des beaux-arts de Montréal présente en écho les oeuvres de l’artiste américaine Georgia O’Keeffe et les oeuvres de l’artiste britannique Henry Moore. L’exposition fait des liens entre la démarche de ces artistes\, notamment en rappelant leur rapport à la nature\, leur fascination pour le paysage et leur activité de cueillette d’objets que sont des os\, des crânes\, des pierres\, des plumes et toutes ces choses de la nature qu’ils ont peintes ou sculptées.
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LOCATION:Musée des Beaux-Arts de Montréal\, 1380\, rue Sherbrooke O\, Montréal\, Québec
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SUMMARY:Riopelle. Encore !
DESCRIPTION:Le Musée des beaux-arts du Canada met à l’affiche une exposition «Coup de coeur» sur Jean-Paul Riopelle à l’occasion des célébrations marquant son centième anniversaire de naissance. Riopelle\, à la croisée des temps est une rétrospective éblouissante qui reflète l’étendue du travail de l’artiste\, ses recherches plastiques et son influence sur ses contemporains. \nRiopelle\, à la croisée des chemins est une rétrospective qui présente les oeuvres de Jean-Paul Riopelle de façon chronologique. On suit le parcours de l’artiste depuis ses premiers tableaux dans les années 1940\, son passage du pinceau au couteau à palette\, sa production d’estampes\, de collages et de sculptures\, son utilisation de la bombe aérosol pour ses oeuvres ultimes. \nAnnées 1940: après la sortie du manifeste Refus global\, Riopelle s’installe en France. Il y côtoie l’avant-garde parisienne et se trouve des affinités avec les tenants de l’abstraction lyrique qui s’inspirent de la nature et prônent la spontanéité du geste. L’artiste adopte une manière distinctive de peindre à l’huile : troquant le pinceau pour le couteau à palette\, il couvre l’entièreté de ses tableaux par des vagues déferlantes de couleurs\, une technique appelée all-over que pratiquent notamment Jackson Pollock et Joan Mitchell. \nLe perroquet vert\, huile sur toile\, Jean Paul Riopelle\, 1949. \nAnnées 1950-1960: Le style de Riopelle\, reconnu et apprécié à l’international\, ne cesse d’évoluer. Au fil des ans\, ses tableaux deviennent de plus en plus grands\, il applique des touches de peinture au couteau à palette; il travaille aussi l’encre et l’aquarelle et produit des estampes et des collages à partir de fragments de lithographies. On dit même qu’il est l’un des graveurs les plus importants du Canada avec quelque 300 estampes à son actif. Les thèmes de la nature et du bestiaire reviennent comme un leitmotiv tout au long de son parcours mais aussi la ville\, son énergie et son mouvement. \nChicago II\, Jean Paul Riopelle\, huile sur toile\, 1958 \nAnnées 1970: Riopelle explore de nouveaux matériaux et de nouvelles matières. Hibou accompagné est une sculpture en bronze à laquelle est intégrée une roue en bois et en métal\, un bel exemple du recours de l’artiste aux techniques mixtes et aux sculptures de bronze. À la même époque\, il revient souvent de France; il se fait construire un atelier dans les Laurentides et se rend dans le Grand Nord canadien. Ces séjours donnent lieu à plusieurs peintures en référence à la nordicité. \nHibou accompagné\, bronze\, bois et métal\, Jean Paul Riopelle\, 1970 (fonte en 1991). Exemple de la présence récurrente des hiboux dans son oeuvre (Voir La Joute\, Place Riopelle\, à Montréal) \nAnnées 1990: L’artiste se réinstalle définitivement au Québec\, notamment à l’Île aux Grues. Ses oeuvres tardives reprennent son thème de prédilection\, la nature\, mais c’est au pochoir et à la bombe aérosol qu’il les réalise\, comme les graffitis du street art. Créations ultimes\, ses tableaux oniriques comme Rosa Luxembourg par exemple\, sont énigmatiques et plusieurs sont encore aujourd’hui méconnus. \nDevant la tableau Poussière de soleil. (Huile sur toile\, Jean Paul Riopelle\, 1953-1954) \nToutes les informations transmises dans cet article proviennent des panneaux didactiques et des cartels qui accompagnent l’exposition Riopelle\, à la croisée des temps.
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LOCATION:Musée des beaux-arts du Canada\, 380 Promenade Sussex\, Ottawa\, Ontario
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SUMMARY:Place à la fête. Joyeux anniversaire Go Art !
DESCRIPTION:Quel plaisir pour Go Art d’avoir souligné son 5e anniversaire dans le cadre des Journées de la culture !  Des oeuvres des artistes associés à la galerie ont été exposées ainsi que celles du sculpteur Michel Saulnier\, reconnu pour ses installations d’art public. Sans queue ni tête\, une fabuleuse animalerie s’est installée au studio Go Art les 29-30 septembre et 1er octobre. \nVernissage des 5 ans de Go Art. À gauche\, on aperçoit Johanne Gaudet pointant Circle of Tranformations\, une oeuvre de Irène Avaalaaquiaq. \nL’exposition des oeuvres de Michel Saulnier\, Les ours ont envahi la ville\, se poursuit jusqu’au 11 octobre. Non seulement l’artiste nous présente-t-il une dizaine de maquettes et de répliques de ses installations sculpturales – des ours et des oursons qui sont devenus sa signature –  mais il nous permet aussi de nous familiariser avec l’art de la sculpture. En écho à cette présentation\, l’exposition Bestiaire\, une animalerie imaginaire offre une vitrine aux artistes associés à la galerie\, et à sa collection. Le corpus regroupe des dessins\, des gravures\, des tableaux ainsi que des sculptures d’art populaire qui\, sous le thème du bestiaire\, forme toute une animalerie ! \nVue partielle sur l’exposition Les ours ont envahi la ville et des visiteurs. \nMerci aux amis.es complices et aux curieux qui ont participé au succès de l’événement. Go Art poursuit sa trajectoire\, avec la confiance de ses clients.es et l’enthousiasme de ses fidèles membres !
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LOCATION:Studio Go Art\, 3834 De Bullion (angle rue Roy)\, Montréal\, Québec\, H2W 2E1\, Canada
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SUMMARY:Momenta. Mascarades
DESCRIPTION:Momenta\, Biennale de l’image tient sa 18e édition\, du 7 septembre au 22 octobre 2023\, à Montréal. Cette manifestation exceptionnelle d’art contemporain s’installe\, cette année\, dans plus de 16 lieux d’exposition – des musées\, des galeries\, des centres d’artistes –  pour y présenter les oeuvres de plus de 23 artistes en provenance de 15 pays ! \nImage tirée de la vidéo Moko is Future\, Jeanette Ehlers\, 2022 \nLe thème de la 18e biennale\, Mascarades. L’attrait de la métamorphose\, questionne les rapports que nous entretenons avec notre identité et celle des autres\, humaine\, végétale\, animale ou technologique. Les oeuvres sont un défilé d’images qui nous invitent à aborder le monde avec plus de nuance et de sensibilité et à nous interroger sur nos perceptions et nos aprioris. \nD’une exposition à l’autre\, les visiteurs sont invités à se démultiplier dans des miroirs déformants – alter ego\, avatar\, personnification – autant pour faire la fête que pour brouiller les frontières qui limitent nos manières de vivre ensemble. \nLe mime\, le modèle\, et le dupe\, Valérie Blass\, 2019
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SUMMARY:Art et spiritualité
DESCRIPTION:Vous qui aimez l’art autochtone\, vous ne voudrez pas manquer les deux expositions que présente La Guilde durant la période estivale. L’une\, intitulée Les esprits dans la forêt\, regroupe des oeuvres de l’artiste Mi’kmaw originaire de la Nouvelle-Écosse\, Alan Syliboy. L’autre\, Starlight\, présente des oeuvres de Luke Parnel\, un artiste provenant des communautés Haida et Nisga’a de la Côte Nord-Ouest.  Votre intérêt sera d’autant plus vif qu’il vous est possible de voir sous le même toit des oeuvres d’artistes autochtones des deux côtes du pays. \nLa Guilde donne la parole à Alan Syliboy pour expliquer sa démarche : « Ma démarche vit dans l’instant présent\, mais elle est profondément influencée par le passé; cela me donne des repères non seulement en tant qu’artiste mais aussi en tant qu’être humain. Mes ancêtres m’ont donné un système de navigation spirituelle global et j’aime penser que ce que je fais aide à faire évoluer les esprits.» \nSimplicité du tracé\, couleurs vibrantes\, le langage visuel d’Alan Syliboy s’inspire de la tradition autochtone des pétroglyphes\, d’anciennes gravures Mi’kmaw faites sur l’ardoise naturellement polie que l’on retrouve près de l’eau. \nStar man with yellow spirits\, Alan Syliboy\, 2023 \nDe son côté\, Luke Parnel explore les liens entre les histoires transmises par l’oralité et les pratiques artistiques autochtones de la Côte Nord-Ouest. Il travaille le bois\, la sérigraphie\, la performanace et utilise très souvent ses expériences personnelles comme trames narratives de ses oeuvres. \nC’est ainsi qu’à partir d’un souvenir personnel\,  il a donné forme à Starlight\, l’oeuvre et l’exposition. Jeune\, raconte-t-il\, il a vu une image en noir et blanc qu’il croyait être un paysage mais qui était plutôt un homme autochtone gelé au sol. Il a commencé à élaborer son oeuvre en se rappelant les soit-disant «Starlight Tours»\, des voyages cruels envers les Autochtones\, exécutés la nuit par les forces policières. L’artiste a associé ces «Tours» à la publicité populaire vantant les voyages en train au coeur des beautés du paysage canadien\, un idéal perturbé par sa vision de l’homme autochtone mort gelé dans le paysage. \nStarlight\, Luke Parnel\, 2023 \nLa Guilde se joint à des partenaires pour mieux faire connaître les artistes autochtones de toutes les régions et de toutes les pratiques.  Pour cette exposition\, elle s’est associée au Festival international Présence autochtone\, une manifestation qui vise à faire connaître la créativité indigène des trois Amériques.  La 33e édition du Festival a lieu à Montréal du 8 au 17 août 2023.
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LOCATION:La Guilde\, 1356\, rue Sherbrooke Ouest\, Montréal\, Québec.
CATEGORIES:Exposition
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SUMMARY:Histoire et identité
DESCRIPTION:Le Quartier chinois de Montréal se révèle comme lieu d’histoire et d’identité collective dans l’exposition «Lieux de mémoire du Quartier chinois. Évoquer un quartier vivant»\, un parcours extérieur de six (6) modules thématiques mettant en lumière la vie des habitants du quartier et la richesse du patrimoine. \nLe parcours de l’exposition réalisée par le Centre de la mémoire des Montréalaises et Montréalais révèle six lieux emblématiques du quartier\, des associations familiales et communautaires\, des entreprises commerciales\, et racontent également la vie de ses habitants et des luttes qu’ils et elles ont menées pour conserver leur patrimoine et leurs repères. \nPrenons l’exemple du restaurant Ho Ho situé à l’angle des rues Clark et De La Gauchetière\, en activité depuis 1946 jusqu’à 2000.  On apprend qu’après l’adoption de la Loi de l’immigration chinoise en 1947\, surnommée Loi d’exclusion des Chinois\, ce restaurant a hébergé les immigrants d’origine chinoise\, en majorité des ouvriers vivant seuls parce qu’ils étaient empêchés par la Loi d’emmener au pays leur femme et leur famille. Ho Ho est devenu un lieu de ralliement et un point de repère pour les hommes de tous les âges et provenant de toutes les régions de la Chine. \nQuant à Aliments Wong Wing\, une entreprise fondée en 1948 par un duo frère-soeur\,  Marcel Wong et Lucille Wong\, on apprend qu’il s’est classé le plus grand fabricant de mets chinois en Amérique du Nord.  Malgré son succès\, l’entreprise a été expropriée dans les années 1970 pour faire place au Complexe Guy-Favreau. \nPlusieurs personnes ont accepté de raconter leur histoire pour raviver la mémoire des anciens et partager leurs connaissances sur ce quartier « mal connu ». Leurs témoignages ont pour effet d’appuyer le sentiment de fierté de ceux et celles qui l’ont habité.  À ceux-là\, se joignent des institutions et des associations dont le Groupe d’action muséologique\, né à l’appel de Jean-Philippe Riopel\, un résidant du Quartier chinois\, et un muséologue militant. Il a sonné l’alarme pour la sauvegarde du patrimoine bâti du quartier et la protection des objets et artefacts historiques. A lire sur Go Art : leurs actions\, leurs revendications\, leurs réussites.
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LOCATION:Quartier chinois de Montréal\, rue De La Gauchetière\, Montréal\, Québec
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SUMMARY:Art inuit et expérience arctique
DESCRIPTION:Quand on vit dans l’un des climats les plus froids de la planète\, on passe le plus clair de son temps à l’intérieur… C’est ainsi que l’auteure et commissaire Inuk\, Napatsi Folger\, nous propose de jeter un coup d’oeil sur les oeuvres de l’exposition «Regards intérieurs». \nL’exposition regroupe les oeuvres de 20 artistes Inuit qui dévoilent des aspects de la vie quotidienne de leurs familles et de leurs communautés : des scènes de campement\, des scènes de couture\, des enfants qui jouent\, se prélassent et rêvassent\, des intérieurs chaleureux\, des hommes et des femmes qui prennent la pose\, sourient\, travaillent. \nLes artistes Inuit expriment ce qu’est la vie moderne dans le Grand Nord. Jusqu’à maintenant soumis aux fantaisies des consommateurs du Sud à la recherche d’un monde étrange issu des récits traditionnels\, l’art inuit propose aujourd’hui une vision de la vie conforme à la vie réelle des habitants du Nord. \nLes thématiques se diversifient;  s’il est encore question des grands espaces sans arbres\, il est aussi question d’environnement et de survie. Les matériaux sont les mêmes\, dessin\, peinture\, sculpture et bijou\, mais les artistes parlent plus ouvertement d’eux-mêmes et de la société\, du rôle des femmes\, de leurs obligations familiales et de leurs expériences au travail\, des défis de la vie communautaire\, de leurs contacts avec l’industrialisation du Sud. \nUne oeuvre de Kudluajuk Ashoona intitulée «Intimité du foyer» a guidé le choix du thème et des oeuvres de l’exposition. La commissaire écrit : On n’est jamais aussi bien que chez soi… Ce sont les artistes qui vous accueillent chez eux. Alors\, enlevez vos chaussures et asseyez-vous autour d’une tasse de thé chaud et d’un peu de bannique\, et imaginez le son de CBC North en arrière-plan: vous êtes sur le point d’être totalement immergé dans la véritable expérience arctique. \n  \nArctic Games\, Shuvinai Ashoona\, 2009. Expo. «Regards intérieurs»\, La Guilde\, mai 2023. \nJijuu’s Patterns\, Darcie Bernhardt\, 2023. Expo. «Regards intérieurs»\, La Guilde\, mai 2023. (Photo: Céline Marchand)
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LOCATION:La Guilde\, 1356\, rue Sherbrooke Ouest\, Montréal\, Québec.
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SUMMARY:Ateliers d'artistes. Artistes dans la cité.
DESCRIPTION:Chaque fois que je reçois l’invitation d’un.e artiste à visiter son atelier\, je vis l’expérience comme un privilège. Quelle joie de voir ce lieu de création\, de me frayer un chemin à travers les objets qui décorent son antre\, de dénombrer les outils avec lesquels il.elle travaille\, ciseaux\, pinceaux\, crayons\, livres\, calepins\, de découvrir des traces de peinture sur les tablettes et les murs\, d’apercevoir quelques oeuvres inachevées\, en attente dans un coin. \nC’est donc avec un mélange de plaisir et de curiosité que je suis allée au Musée d’art de Joliette voir l’exposition «L’atelier comme création. Histoires des ateliers d’artistes au Québec.» Et ma curiosité n’a pas été déçue. Au contraire\, mon intérêt pour le mystère de la création s’en est trouvé accru ! \nL’exposition est généreuse : le corpus thématique comporte une cinquantaine d’oeuvres – dessins\, photographies\, gravures\, peintures – qui donnent à voir autant d’ateliers différents\, les uns imaginés par les artistes eux-mêmes\, les autres mis en scène avec souci de réalisme\, parfois avec une touche de poésie. \nOn prend plaisir à découvrir l’atelier mobile de Raphaëlle de Groot\, un manteau bourré de poches pour insérer des objets hétéroclites qu’elle recueille\, ici et là. De son côté\, une lithographie de Ernst Neumann intitulée Scènes de studio- The strong man\, agit comme une chronique historique puisqu’elle nous donne à voir Arthur Dandurand\, réputé homme fort\,  jouant le modèle tout en muscles\, devant l’artiste et ses amis. Et puis\, il y a une photographie de Maurice Perron montrant l’atelier de Borduas\, un espace aménagé au sous-sol de sa maison où l’artiste dispensait des formations et\, suspendu au plafond de la salle d’exposition\, le cadre en bois de la porte d’entrée de l’atelier de Serge Lemoyne. \nOn va ainsi d’un atelier à un autre\, de surprises en coups de coeur\, passant d’un artiste contemporain à un artiste du siècle passé. De plus\, il faut noter l’importance des cartels sur lesquels nous sont transmises des informations qui nourrissent notre intérêt pour la petite histoire de ces lieux : l’usage qu’en font ses occupants\, le statut de propriété et même\, l’adresse civique de plusieurs ateliers ! \nL’exposition est sous le commissariat de l’historien de l’art Laurier Lacroix\, également muséologue et chercheur.  Depuis des années\, Monsieur Lacroix mène une recherche sur les ateliers d’artistes qui ont vu le jour au Québec depuis 100 ans et qui continuent de proliférer. Que sont ces ateliers\, qui les occupe\, quelles fonctions jouent-ils dans la création ? L’exposition en cours reflète la volonté de l’historien de partager avec le public un des aspects singuliers de l’histoire de l’art au Québec. \n\nActivités culturelles à l’occasion de l’exposition \nPerformance de l’artiste Massimo Guerrera\, vendredi 28 avril à 17h30. \nConférence du commissaire Laurier Lacroix\, dimanche 7 mai à 14h00.
URL:https://www.galeriegoart.ca/programmation/ateliers-dartistes-artistes-dans-la-cite/
LOCATION:Musée d’art de Joliette\, 145\, rue du Père-Wilfrid-Corbeil\, Joliette\, Québec
CATEGORIES:Exposition
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SUMMARY:A. Dumouchel\, maître graveur
DESCRIPTION:Le Centre de design de l’UQÀM invite la population curieuse à visiter Dumouchel: matrices et estampes\, une exposition à caractère didactique. Ô combien intéressante cette façon de mettre en lumière l’histoire de la gravure au Québec et de son maître\, Albert Dumouchel\, et tout ce qui concerne les arts de l’imprimé\, les techniques\, les écoles\, les artistes. \nLes commères au décor des amants de Venise\, A. Dumouchel\, c.1965 \nL’exposition Dumouchel: matrices et estampes nous familiarise avec la démarche de Dumouchel\, dont on dit qu’il est le père de la gravure au Québec. Il a passé sa carrière à pratiquer l’ensemble des procédés d’estampe tout en explorant et en combinant divers techniques et matériaux. Il a formé des générations d’artistes en arts d’impression\, à l’École des arts graphiques de Montréal\, à l’École des beaux-arts de Montréal et à l’Université du Québec à Montréal. Il a fréquenté les artistes comme Alfred Pellan et Roland Giguère\, signé le manifeste Prisme d’Yeux et\, avec une bourse de l’UNESCO\, il a représenté le pays dans des expositions et biennales  internationales\, notamment à Sao Paulo (Brésil)\, Lugano (Suisse)\, Venise (Italie). Un symposium accompagne l’exposition Dumouchel et une exposition en marge présente des oeuvres de quelques artistes graveurs contemporains. \nEn mettant en lumière l’artiste et le pédagogue qu’est Albert Dumouchel\, le Centre de design de l’UQÀM remplit avec succès sa mission éducative et culturelle : promouvoir la curiosité artistique\, préserver le patrimoine culturel\, partager les savoirs. C’est l’occasion rêvée de profiter des expertises savantes réunies dans un même lieu\, ouvert et accessible à toutes et tous ! \n 
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LOCATION:Centre de design de l’UQÀM\, 1440\, rue Sanguinet\, Montréal\, Québec
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SUMMARY:Si beau\, si grand\, mon fleuve ...
DESCRIPTION:Qui peut dire qu’il ou elle n’est pas impressionné.e\, séduit.e\, rasséréné.e à la vue du fleuve St-Laurent\, devant sa majesté ? C’est l’invitation que nous lance BAnQ (Grande Bibliothèque) à venir voir et entendre ce qu’ont à nous dire les commissaires de l’exposition «Vues du fleuve»\, Manon Barbeau et sa fille Anaïs Barbeau-Lavalette\, à propos du fleuve et de ceux et celles qui l’ont illustré pour notre plus grand plaisir. \nLe fleuve vu comme … l’eau qui abreuve\, le courant qui transporte\, les poissons qui s’y agitent\, l’eau qui rafraîchit. Le fleuve\, un vrai sujet à explorer à travers l’exposition de trente-six (36) estampes de nos artistes graveurs qui sont autant de Vues du fleuve. \nLouise attend son père\, Clémence Desrochers\, 2004 \nSignalons les oeuvres exposées de Roland Giguère\, René Derouin\, Bonnie Baxter\, Clémence Desrochers\, Julianna Joos et Marcel Barbeau\, père et grand-père des commissaires. C’est d’ailleurs grâce à son père que Manon découvre le fleuve\, et elle nous partage son souvenir. \nJ’ai 12 ans. Je ne vis pas avec mon père. Pour la première fois\, je passe des vacances avec lui dans le Bas-du-Fleuve. Un petit chemin de terre et tout en bas l’éblouissement: des eaux\, froides\, grises et galopantes\, se jettent avec furie contre les rochers. Sidérée\, je découvre le fleuve\, éclaboussée par cette immense giclée de joie pure et sauvage. Soixante ans plus tard\, l’intensité de ce moment m’habite encore. Manon \nL’exposition\, éblouissante\, est un cadeau à partager et c’est ce que nous proposent BAnQ et son partenaire Loto-Québec. En effet\, des cartes postales (3) reproduisant des oeuvres exposées sont distribuées gratuitement aux visiteurs et on peut les expédier à qui veut bien\, sans frais\, grâce à une boîte postale (magique) créée pour l’occasion par l’artiste Colas Eko. \nColas Eko crée une boîte postale pour l’expo Vues du fleuve. Photo: Go Art\, 2023 \nL’exposition souligne le 30e anniversaire du dépôt légal des estampes à Bibliothèque et Archives nationales du Québec (BAnQ)\, une initiative du gouvernement du Québec qui met en lumière nos artistes graveurs. Grâce à ce programme\, près de 30 000 estampes créées par plus de 1500 artistes font partie de cette collection unique de BAnQ. \n«Vues du fleuve» est un événement qui nous permet d’apprécier les effets du dépôt légal sur la conservation de notre patrimoine imprimé et sa mise en valeur. Ce faisant\, l’exposition rend hommage aux artistes de ce pays\, précurseurs de cet art qu’est la gravure. A voir !
URL:https://www.galeriegoart.ca/programmation/le-fleuve-si-beau-si-grand-si-fort/
LOCATION:BAnQ (Grande Bibliothèque)\, 475\, boul. De Maisonneuve Est\, Montréal
CATEGORIES:Exposition
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SUMMARY:Dans la marge
DESCRIPTION:Diane Arbus (1923-1971) est une photographe américaine qui a créé des portraits singuliers de la société américaine des années 50-60\, dont plusieurs clichés sont devenus des images iconiques. Le Musée des Beaux-Arts de Montréal présente une exposition des oeuvres de l’artiste\, dans un parcours chronologique de sa carrière qui s’étend de 1956 à 1971. \nL’art de Diane Arbus est révolutionnaire : elle photographie la différence\, les marginaux\, les excentriques\, les laissés pour compte\, ceux et celles qui fréquentent les fêtes foraines\, les événements populaires\, les artistes des spectacles offerts dans les bars et les clubs. La photographe ne vole pas le portrait de ses sujets et ne verse pas non plus dans une forme de sensationnalisme que pourraient susciter leurs comportements bizarres ou leurs attitudes hors normes. \nL’artiste entre en relation avec ses sujets\, se rapproche d’eux et d’elles\, leur demande la permission de les photographier tels qu’ils sont. Son regard est rempli d’humanité à leur égard et on comprend que son intention n’est pas de stigmatiser les comportements de ses sujets mais plutôt de démontrer que la tragédie des autres n’est pas la même que la vôtre. \n\nÀ propos du cliché Identical Twins. \nIl s’agit de l’une des photos les plus célèbres de Diane Arbus. En 1967\, l’artiste se rend à Roselle dans le New Jersey\, alors qu’on y célèbre les jumeaux et les triplés de la petite ville. Les soeurs Cathleen et Colleen Wade prennent la pose pour la photo : le regard franc\, face à la caméra\, elles plongent leurs yeux dans les nôtres et on tombe sous le charme ! Pourtant\, en s’y attardant\, on réalise qu’il y a des divergences entre les traits des soeurs\, leurs attitudes et leurs expressions. La photo devient obsédante car malgré l’apparente similarité\, l’individualité des soeurs émerge. Certains y voient la personnification de la dualité humaine\, du bien et du mal\, du vrai et du faux\, de l’ange et du démon… Vous\, qu’y voyez-vous ? Certains détaillent les différences entre les fillettes comme dans le jeu des 7 erreurs… \n 
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LOCATION:Musée des Beaux-Arts de Montréal\, 1380\, rue Sherbrooke O\, Montréal\, Québec
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SUMMARY:COMPLET - Slow Art : explorer l'art avec lenteur
DESCRIPTION:L’activité affiche COMPLET \nCombien de temps passons-nous devant une oeuvre exposée dans un musée ou une galerie d’art ? À peine 30 secondes selon des chercheurs ! Voilà pourquoi des artistes ont lancé le mouvement Slow Art\, une invitation à prendre son temps pour mieux regarder une oeuvre et l’apprécier. Qu’allons-nous gagner à l’issue de cette expérience? Des clés pour explorer notre propre imaginaire ! \nUne oeuvre présente plusieurs strates de lecture qui vont bien au-delà d’un rapide coup d’oeil sur les formes et les couleurs. En observant les détails d’un tableau\, par exemple\, on se prend à  découvrir un rythme\, un style\, une trame narrative grâce à des éléments que l’artiste a semés ici et là pour stimuler notre imaginaire. Il est aussi intéressant de prendre connaissance du parcours de l’artiste\, du regard qu’iel porte sur son époque\, des thèmes qu’iel a choisi d’explorer. Ce faisant\, le temps que nous consacrons à observer une oeuvre est à la fois bénéfique pour se ressourcer et une appréciation tangible du travail et du talent de l’artiste. \nL’activité Slow Art se tient au studio Go Art le samedi 19 novembre à 13:30. Notre guide\, Michel Huard\, est historien de l’art\, commissaire et chercheur. Avec lui\, nous explorons cinq (5) oeuvres de différents artistes et médiums : sérigraphie\, dessin\, peinture\, sculpture\, photo. (L’activité rend hommage à Louise Robert\, décédée le 7 novembre dernier. Michel Huard nous partagera l’état de sa recherche sur l’oeuvre de l’artiste pour la publication prochaine d’un catalogue raisonné). \nBienvenue à toutes et tous !
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LOCATION:Studio Go Art\, 3834 De Bullion (angle rue Roy)\, Montréal\, Québec\, H2W 2E1\, Canada
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SUMMARY:L'art autochtone : voir autrement
DESCRIPTION:Voici une offre de formation incontournable pour quiconque veut découvrir l’art autochtone\, sa vitalité et sa richesse ! \nOhtehra’\, l’art autochtone aujourd’hui est une formation offerte sur la plateforme MOOC (Massive Open Online Course) qui donne la voix à une vingtaine d’experts en art autochtone – artistes\, conservateurs et conservatrices de musée\, historiens et historiennes de l’art. Une initiative de l’UQAM et du MBAM à travers le réseau de Formation Universitaire Numérique (FUN). En ligne et gratuit. \n\nLa formation Ohtehra ‘\, l’art autochtone aujourd’hui nous propose d’inverser le regard que nous posons sur les arts visuels pratiqués par les artistes des Premiers Peuples. Comment ? En contextualisant l’histoire de l’art que nous avons apprise et intégrée et en adoptant le point de vue autochtone. Le parcours de formation est découpé en 7 modules dont certains proposent un survol historique de nos relations avec les Premiers Peuples et posent un regard critique sur les lois coloniales et leurs effets sur la culture autochtone.  D’autres modules abordent les questions de résistance\, d’affirmation culturelle et de valorisation de l’art autochtone. \nChaque module dure environ 2 heures au cours desquelles alternent approche théorique et analyse d’une ou plusieurs oeuvres d’art autochtone parmi la collection du Musée des Beaux-Arts de Montréal. \nOhtehra ‘\, l’art autochtone aujourd’hui est disponible sur FUN-MOOC depuis le 17 octobre 2022. Une inscription est requise sur le site FUN-MOOC. Aucun prérequis n’est exigé ni aucun examen de fin d’études. Toutefois\, ceux et celles qui le souhaitent peuvent obtenir une attestation de réussite.\n \n 
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CATEGORIES:Rencontre formative
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SUMMARY:L'art prend le métro
DESCRIPTION:Le public est invité  à une promenade urbaine au quadrilatère du métro Montmorency\, à Laval\, à l’occasion de la 3e édition du Projet Zoom Art. Le projet réunit 35 images d’oeuvres d’art actuel de 17 artistes dont Caroline Hayeur\, Gilles Mihalcean\, Alain Paiement\, Louise Robert\, Rafael Sottolichio. \nNot to confuse Politeness with Agreement\, David Garneau\, 2013 (Zoom Art\, métro Montmorency) \nProjet Zoom Art a pour but de présenter des images d’oeuvres d’art sur des supports habituellement dédiés à de la publicité. L’exercice surprend et séduit les amateurs et les curieux car ces images génèrent un enrichissement culturel. \nDe plus\, réunies sous le thème « Être ensemble »\, les images présentent un corpus d’oeuvres qui valorisent la cohabitation entre les peuples\, la rencontre amoureuse\, la vie de famille. Avec des hauts et des bas\, des misères et des espoirs. \nZoom Art\, 2022. Métro Montmorency\, Laval \nAmateurs et curieux\, Projet Zoom Art est destiné à tous les publics ! En balade ou en transit vers une autre destination\, voilà une initiative qui rend l’art contemporain accessible 24/7\, un vrai exercice de démocratisation.
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LOCATION:Station de métro Montmorency\, Laval
CATEGORIES:Circuit découverte
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SUMMARY:Parle-moi d'amour
DESCRIPTION:L’exposition-encan Parle-moi d’amour est de retour pour une 24e édition. L’événement est important car il constitue une source de financement pour Les Impatients\, un organisme qui offre des ateliers de création en arts visuels aux personnes vivant avec des problèmes de santé mentale. \nVue partielle sur l’expo-encan Parle-moi d’amour. 2022 \nL’exposition-encan Parle-moi d’amour 2022 présente plus de 300 oeuvres de toutes les disciplines artistiques –  peinture\, dessin\, photographie\, sculpture – et c’est un grand bonheur de voir se côtoyer des oeuvres provenant d’artistes reconnus comme Louise Robert\, René Derouin (ambassadeur de l’encan 2022)\, Carole Arbic\, Edmund Alleyn\, Cozic\, etc. ainsi que des oeuvres réalisées par les participants et les participantes aux ateliers d’expression artistique de l’organisme. Les deux cohabitent sans discrimination et font appel à la sensibilité du public pour la cause et à sa générosité pour encourager les artistes\, quel que soit leur statut. \nLaissez-vous émouvoir par les oeuvres de l’expo et par la mission de l’organisme. Allez voir\, inscrivez-vous à l’encan\, donnez votre nom pour une contribution bénévole aux activités de l’organisme. Votre contribution compte ! \n 
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LOCATION:Coeur des sciences de l’UQAM\, 200 rue Sherbrooke Ouest\, Montréal\, Québec
CATEGORIES:Exposition-encan
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SUMMARY:WPPhoto : entre crise et espoir
DESCRIPTION:L’événement World Press Photo est présenté à Montréal pour la 15e année. Il s’agit d’une exposition des meilleures photographies professionnelles choisies parmi 65 000 clichés réalisés par 4000 photographes en provenance de 130 pays. \nL’exposition des photos lauréates – une centaine –  est à couper le souffle non seulement pour la valeur esthétique de celles-ci mais pour ce qu’elles nous révèlent de notre monde et que les photoreporteurs ont su capter. En 2021-2022\, il est question d’images percutantes qui  montrent les combats contre les injustices\, l’impact des changements climatiques sur les populations\, l’usage des technologies pour fabriquer des fausses nouvelles\, etc. Parfois\, un poème éclaire l’image qui nous est présentée et réduit la distance qui sépare le spectateur des protagonistes; parfois\, deux images sont reliées par ce qui semble être un fil d’or comme s’il s’agissait de réconcilier deux événements. \nWPP-2022@Rehab Eldalil. Sainte-Catherine\, Sinaï du Sud. \nPoème de Seliman Abdel Rahman (Sainte-Catherine\, Sinaï du Sud) «Oh vallée\, ton amour est un foyer pour la joie de l’âme. Quand je te vois\, mon coeur se remplit\, je viens vers toi avec une envie pleine de douleurs. Mon âme revient à moi dès que j’approche tes terres.» \nL’aventure du WPP débute en 1955 quand un groupe de photographes néerlandais décident d’organiser un concours international pour montrer leur travail au monde entier. Aujourd’hui\, WPP est une fondation à but non-lucratif dont la mission ratisse beaucoup plus large qu’à ses débuts  : Our purpose is to connect the world to the stories that matter. Faut-il s’étonner que le Prix de la photo de l’année ait été remis à la photographe canadienne Amber Bracken pour sa photo Kamloops Residential School publiée dans le New York Times\, et qui met en lumière l’histoire des pensionnats autochtones. \nSoulignons d’ailleurs que l’artiste d’origine algonquine\, Caroline Monnet\, est la porte-parole de WPP et y présente des photos de sa série Ikwewak/Femmes\, mettant en scène des femmes des Premières Nations\, dans toute leur splendeur\, leur excentricité\, leur fierté.
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LOCATION:Marché Bonsecours\, 325 rue de la Commune\, Montréal\, Québec
CATEGORIES:Exposition
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SUMMARY:Triennale Banlieue !
DESCRIPTION:La Triennale Banlieue ! est une manifestation en art actuel qui s’intéresse à l’urbanité. Initiée par la Maison des arts de Laval\, la troisième édition (3e) réunit 19 artistes et 9 scientifiques qui\, à travers des expositions et des activités de médiation artistique et scientifique\, nous invitent à réfléchir aux liens qu’entretiennent les humains avec la nature dans les banlieues nord-américaines. \n«Au-delà des clichés\, écrivent les commissaires de l’événement\, quelles sont les relations entre l’aménagement suburbain et le territoire naturel ? Comment perçoit-on la nature en banlieue\, quels sont les défis du développement suburbain… ?» Voilà tout un programme ! \nLes oeuvres qui sont présentées à la Maison des arts de Laval ouvrent la voie. Certaines abordent la destruction des terres agricoles\, d’autres la valorisation de la flore dans sa diversité ; certaines ciblent la modélisation des aménagements typiques des banlieues\, d’autres racontent des expériences de déracinement et d’acclimatation. Soulignons la bonne idée des commissaires d’inviter des experts scientifiques – biologie\, arboriculture\, géographie\, urbanisme – qui nous présentent des perspectives inattendues. Pensons à l’expertise de ce botaniste qui\, accompagnant l’artiste Catherine Lescarbeau dans un centre commercial afin identifier les plantes décoratives qui s’y trouvent\, diagnostique qu’aucune d’elles n’existe dans la nature ! \nLe département des plantes\, Catherine Lescarbeau\, 2022. Triennale Banlieue ! ICI\, les plantes décoratives d’un centre commercial\, entièrement artificielles\, démontrent les limites du verdissement des espaces publics. \nAfin d’éviter tous ces noeuds\, Ludovic Boney\, 2017. Triennale Banlieue ! ICI\, 2000 tiges de métal surmontées de sacs de plastique s’agitent comme s’il s’agissait d’épis de graminées sous le vent. \nBibliothèque d’outils communautaire pour les oiseaux\, Richard Ibghy et Marilou Lemmens\, 2021. Triennale Banlieue!  ICI\, l’oeuvre rappelle les abris de jardin et les outils qui s’y trouvent. Les artistes y réfèrent pour nous faire prendre conscience que les animaux aussi ont des accessoires qu’ils utilisent et partagent. \nLa Triennale Banlieue ! se déroule à Laval\, du 31 juillet au 30 octobre 2022. Plus de 30 activités de médiation artistique et scientifique y sont offertes au public\, des ateliers de création\, des expériences sensorielles\, des rencontres avec des experts et des artistes\, des promenades d’observation.
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LOCATION:Maison des arts de Laval et autres lieux
CATEGORIES:Exposition
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